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Stagione Teatrale 2010/2011 di Treviso
Teatro Comunale
Concerti Khatia Buniatishvili Pianoforte Nata a Tbilisi nel 1987, Khatia Buniatishvili ha iniziato ad esibirsi all’età di sei anni. A partire dal 1999, è stata invitata a suonare in molti paesi, tra cui Repubblica Ceca, Francia, Russia e Stati Uniti. Si è esibita al Conservatorio di Stato di Mosca con l’Orchestra Filarmonica di San Pietroburgo, alla Carnegie Hall e al Konzerthaus di Vienna . Quasi interamente dedicato a Franz Liszt, il concerto inizierà con la Sonata in si minore, scritta nel 1852-53 e dedicata a Robert Schumann. Pezzo unico in tutto e per tutto, anche nella struttura formale, più affine al poema sinfonico che alla musica pianistica di Beethoven, presenta una struttura ciclica che combina al suo interno gli elementi musicali del recitativo, della fantasia e della variazione. In questa Sonata è stato spesso cercato un programma letterario e molti vi hanno riconosciuto un riferimento ai personaggi faustiani di Goethe. Lo stesso riferimento si ritrova nel Mephisto Valzer n. 1, composto nel 1883, durante gli anni della vecchiaia del compositore, in cui la ricerca timbrica e armonica prefigura addirittura Bartók, l’atonalità, la politonalità. Dai dodici Études d’exécution trascendante, scritti nel 1851, verrà eseguito il n. 5, “Feux follets”, considerato uno dei pezzi tecnicamenti più difficili dell’intero repertorio pianistico. Delle 19 Rapsodie ungheresi, composte da Liszt intorno alla metà del 1800, si ascolterà la Seconda Rapsodia; dedicata allo scrittore ungherese László Teleki è ritenuta uno dei capolavori di Liszt, un brano ricco di virtuosismi e in grado di catturare anche l’orecchio meno attento grazie alla sua melodia immediatamente riconoscibile. L’omaggio a Liszt si conclude con un altro celebre pezzo, Tarantella, uno dei tre brani di cui si compone il supplemento al secondo anno degli Années de pèlerinage, intitolato Venezia e Napoli e composto nel 1859. Il programma termina con la Ballata in fa minore di Chopin, senza dubbio la più complessa delle quattro scritte dal compositore, Fortemente drammatica nel carattere, fu scritta nel 1842, anno della morte di Jan Matuszynsk, amico fraterno di Chopin.
L’opera, attraverso l’uso del linguaggio contemporaneo vuole raccontare un ballo: il tango sociale, che sempre di più sembra diffondersi nel nostro pianeta. Segnale ulteriore del fenomeno della globalizzazione che ancora una volta anche nel ballo, come nel linguaggio della danza tutta, contamina, unisce, condivide, inducendoci alla percezione chiara e forte di quanto un uomo, seme della sua terra, sente e vibra in sintonia con altri semi di terre diverse e lontane. In tale visione, il Tango sociale diviene non più semplicemente un ballo, con i suoi passi tipici, ma modo di sentire che percorre con la sua musica tutti i continenti della terra. L’opera che nasce per il Balletto di Roma esplora una nuova contaminazione tra il linguaggio contemporaneo ed il “minimalismo” dell’incontro tra corpi che parlano di tango: incontro di un linguaggio popolare e sociale con il più ricco e variegato modulo del balletto. Lo spettacolo narra l’abbraccio del tango, dentro il quale si colmano bisogni, aspettative, sogni, desideri e oblii, come un album di fotografie da sfogliare, atmosfere e sensazioni percepite, un abbraccio che ciascuno esprime arricchendolo del proprio sé e portando in esso tutta la memoria, consapevole e non, che la vita gli ha tracciato nel corpo.
Esponente della Legione di musicisti di Natal (Rio Grande del Nord) che sono immigrati in Italia, Lígia França si è dedicata con passione alla diffusione della Musica Popular Brasileira, con particolare riferimento a quel genere che il Brasile ha esportato con successo nel resto del mondo: la Bossa Nova. Lígia entra nel mondo della musica a 12 anni debuttando con Pó da Terra, gruppo con il quale ha partecipato al 1° Festival do lndustriário do SESI, realizzato a Natal all’inizio degli anni ‘90. Ha fatto importanti esperienze, cantando insieme ad artisti internazionali come Luíz Melodia e Vania Abreu. Abitando da più di quattro anni in Italia, la cantante ha partecipato tra l’altro al Festival Latino-Americano di Verona, alla Festa dell’ONU a Torino e al Maracanã a Firenze, locale notturno specializzato in Música Popular Brasileira. Di recente ha cantato con il suo quartetto al Festival Internazionale di Jazz Euromeet e al Festival Afro America al Lido di Venezia. Lavora assiduamente con musicisti provenienti dalla sua regione, il Rio Grande del Nord, quali Roberto Taufic, Carlinhos Moreno e Rogério Tavares nonché con altri artisti brasiliani come Rubinho Jacob e Marquinhos Baboo e italiani come Sandro Gibellini, Giancarlo Bianchetti e Roberto Rossi. Di imminente pubblicazione il suo primo disco, Vida, che vanta gli arrangiamenti del chitarrista Roberto Taufic.
Martedì 2
novembre, ore 17.00, Ridotto del Teatro Comunale: incontro con
gli artisti Konstanze, una giovane e bella spagnola, è stata rapita dai pirati e venduta come schiava insieme alla sua ancella inglese Blonde e all’innamorato di quest’ultima Pedrillo. Belmonte, il fidanzato di Kostanze, è venuto a cercarla in Turchia. All’entrata del palazzo del Pascià Selim egli si imbatte in Osmin, un burbero sorvegliante, che lo allontana. Incontra poi Pedrillo, che gli dice che Konstanze è diventata la favorita del Pascià mentre Blonde è stata offerta in dono a Osmin. Il secondo atto si apre con Osmin che arde di desiderio per Blonde senza essere corrisposto. Pedrillo riesce ad informare Blonde dell’arrivo di Belmonte; fa ubriacare Osmin per metterlo fuori combattimento e permette a Belmonte di incontrare Konstanze. Belmonte e Pedrillo informano le due ragazze che verranno a salvarle a mezzanotte. Giunta l’ora, Pedrillo canta una serenata: è il segnale per la fuga. Purtroppo Osmin si risveglia e i fuggitivi vengono catturati e condotti davanti a Selim che però dà prova di grande magnanimità, liberando le due coppie.
Sabato 13 novembre ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti “Ciak si gira!”: frase magica che evoca il momento in cui l’artefice del cinema crea il sogno, è il titolo con il quale l’artefice Brachetti ci porta in un sorprendente viaggio nell’universo cinema. In una serie di numeri, momenti teatrali ed evocativi, con una nuova ambientazione scenografica, Arturo rivive il suo amore per la settima arte e cerca di riportare la meraviglia degli effetti speciali e delle magie del cinema in uno spettacolo dal vivo dove vola, sparisce si trasforma da solo in una sessantina di personaggi. Lo spettacolo ha inizio con un enorme televisore in cui Arturo interpreta, con cambi fulminei di costume, i personaggi che popolavano i film del pomeriggio TV, quelli che tutti noi abbiamo visto e amato fin da piccoli: Zorro, Mary Poppins, Maciste, Crudelia De Mon, cowboys, corsari e avventurieri. Arturo, ricordandosi di quando ancora adolescente al museo del cinema fu catturato dalla sezione Horror, improvvisamente crea, dal vivo, un divertentissimo delirio di incontri, dove il prete esorcista si trova faccia a faccia con Nosferatu, servito dal becchino di turno. Il mostro di Halloween, dopo aver fatto a pezzi la bimba indemoniata, perde letteralmente la testa per un fantasma birichino… L’evocazione del mondo di Fellini chiude la prima parte dello spettacolo, come massimo connubio tra invenzione scenica e evocazione onirica. La seconda parte è quasi interamente dedicata ai grandi film hollywoodiani con una parata di personaggi da fare invidia a una cineteca: Charlie Chaplin, Gene Kelly, King Kong, Liza Minnelli, Gollum, Harry Potter, Carmen Miranda, E.T., Darth Vader, e molti, molti altri, in uno zapping cinematografico esilarante e sorprendente che regala emozioni e sogni di cui noi in fondo abbiamo sempre bisogno, ma che facciamo fatica a rivivere nella vita reale.
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: Introduzione all’ascolto Due grandissimi interpreti, che non necessitano di presentazione alcuna, saranno i protagonisti di questo concerto dedicato alle ultime Sonate per pianoforte e violino di Beethoven. Il programma si aprirà con la Sonata op. 30 n. 3 in sol maggiore che, composta come le due precedenti nel 1802, all’epoca della Seconda Sinfonia, e dedicata all’Imperatore Alessandro I di Russia, emancipa progressivamente il proprio linguaggio dal passato e si distingue dalle due precedenti della stessa op. 30, per amabilità, serenità e umorismo. Le ultime due Sonate, op. 47 e op 96, videro la luce a distanza d‘anni e sono da considerarsi come le massime creazioni beethoveniane del genere. La prime di esse fu scritta per il violinista mulatto di origine anglo-polacca George P. Bridgetewer che la eseguì a Vienna insieme con l’autore il 24 maggio 1803. In seguito la Sonata fu dedicata a Rodolphe Kreutzer, che Beethoven conobbe in casa di Bernadotte, allora ambasciatore francese in Austria, ed apprezzò in sommo grado. Il lavoro venne pubblicato nel 1805 come op. 47 col seguente titolo: “sonata per pianoforte e un violino obbligato, scritta in uno stile molto concertante, quasi come di un concerto”. L’insistere dell’autore sul carattere “molte concertante” dell’opera, indica già chiaramente che, in essa, Beethoven andò oltre l’equilibrio e la dimensione cameristica d’impronta mozartiana. Anche la Sonata in sol maggiore, l’ultima, pubblicata nel 1816 come op. 96, fu destinata al grande virtuoso francese, Pierre Rode, che le eseguì la sera del 4 gennaio 1813 accompagnato al pianoforte dall’arciduca Rodolfo. A differenza delle Kreutzer, essa non vuole essere un’opera importante o rivoluzionaria bensì di intima e intensa poesia. Col passare degli anni, Beethoven aveva imparato la più difficile delle lezioni che Mozart potesse ancora impartirgli: quella di sapere essere sublime e normale allo stesso tempo. Teatro Comunale
Concerti Omaggio A Ennio Morricone Una rassegna dalle più celebri colonne sonore, selezionate tra le oltre 400 musiche da film che il maestro italiano ha composto. Musiche che diventano immagini, tanto sono radicate nella memoria collettiva le scene di alcuni film che le colonne sonore di Morricone hanno contribuito a far diventare celeberrimi. Dalla lunga e incomparabile collaborazione con Sergio Leone fino alla produzione cinematografica più recente, le musiche raffinate e semplici insieme di Ennio Morricone sono un autentico vocabolario di suggestioni, a volte liriche, a volte brillanti e sempre emozionanti. Durante l’esecuzione dei brani verranno proiettate le immagini più significative dei film di cui sono la colonna sonora. Le trascrizioni di tutti i brani sono state curate da Diego Basso.
Sabato 27 novembre ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti “L’Otello è la tragedia della parola. La parola inventa i luoghi, costruisce i sentimenti, determina l’agire dei personaggi. L’Otello si gioca tra pochi individui che si confrontano ossessivamente tra di loro; il gioco di Iago li trova già tutti pronti, bastano poche parole e la macchina si mette in moto. La gelosia esiste dal momento in cui la si nomina, poi come un tarlo, come una frase musicale continuamente ripetuta, non ti abbandona più. La gelosia non si spiega, come la musica. L’Otello si svolge in un’isola, come La Tempesta, in un luogo limitato geograficamente e mentalmente, un luogo dell’ossessione. L’Otello si svolge su un palcoscenico vuoto, questo luogo lo si chiamerà Venezia, Cipro, sarà una strada, una sala, una stanza da letto. Ma soprattutto sarà una prigione delimitata da due grandi pareti, dove un negro epilettico consumerà la sua strage. L’Otello è una tragedia satirica. A due passi dal baratro si cantano canzoncine. L’Otello è il maschile davanti al femminile, o viceversa. Due mondi che s’ignorano, due universi su cui congetturare, in mezzo Bianca, la puttana di Cassio, ovvero il travestimento del femminile, la sua messa “in maschera” per rivelarne l’assenza. L’Otello è un letto, disfatto e spesso deserto. Luogo del tradimento, palcoscenico immaginario, ma non per questo meno reale della gelosia, della brama, dell’atto animale. L’Otello è tutto sentimento, covato, malato, irrealizzato; si parla di guerre e battaglie che non avvengono mai e intanto nella mente dei personaggi esplode qualcosa di molto più pericoloso. È quello che succede quando gli eserciti si fermano, quando gli uomini non combattono più, quando arriva la pace.” (Arturo Cirillo)
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: incontro con gli artisti Aterballetto presenta tre coreografie di Mauro Bigonzetti: la prima, Come un respiro, si basa su alcune composizioni di Händel che, ricche di forza evocativa, catturano e trascinano in un vortice di spazi infiniti. La sintesi cristallina che caratterizza quella musica esalta la materia pura, una materia fatta di tensioni e di movimento che sembra voler raccogliere il respiro dell’universo. Il corpo, libero da orpelli, presenta la sua forma pura in uno spazio fisico che tende a fondersi in quel respiro di pura ed intima ispirazione. La coreografia seguente è un affascinante passo a due tratto da “Almost Blue” sulle musiche del celebre trombettista jazz Chet Baker. L’ultima coreografia in programma, H+, vuol essere una riflessione sulla materia coreografica, sulle sue ispirazioni e sulle sue forme. Tale riflessione, che si può parafrasare come una ricerca verso il sempre più piccolo, si concentra sugli elementi strutturali che determinano la materia coreografica e più in generale l’intero corpo dello spettacolo. Partendo dal suono e dal gesto ci si abbandona in un percorso creativo sospinto dalle loro reciproche evocazioni per giungere allo sviluppo della struttura coreografica, attraverso la composizione di suoni, gesti, movimento, ritmo, dinamica ed energia.
I protagonisti sono Uberto, vecchio scapolo scontroso e taciturno, e la sua giovane e astuta serva, Serpina. Uberto, stanco dei capricci e delle prepotenze di Serpina, decide di ripristinare i giusti ruoli all’interno della casa fingendo divolersi sposare. La ragazza, ingelosita, annuncia a sua volta, con la complicità del servo Vespone, il suo matrimonio con il fantomatico capitan Tempesta. Dallo sgomento provato al sentire l’annuncio delle nozze, Uberto capisce di essere innamorato di Serpina. Presto il finto capitan Tempesta si presenta minaccioso a reclamare la dote della giovane, e minaccia Uberto avvisandolo che in caso di diniego, gli toccherà di sposarla lui stesso. Spinto un po’ dalla paura e un po’ dall’amore per Serpina, Uberto si lascia estorcere la promessa di matrimonio. La burla è poi svelata e Serpina, anch’essa innamorata di Uberto, da serva diventa padrona. Il Maestro Di Cappella Il maestro di cappella Lorenzo Regazzo Il maestro di cappella, composto all’incirca tra il 1786 e il 1793, è una gustosa parodia di un compositore settecentesco alle prese con i suoi esecutori: un maestro di cappella sta provando con la propria orchestra; dichiara di volervi eseguire un’aria in «stil sublime», appellandosi all’autorità degli antichi maestri («che sapevano tanto»). Quando finalmente l’aria inizia, il risultato è disastroso: ogni strumento entra al momento sbagliato, costringendo il maestro a canticchiare personalmente ogni parte finché ciascun strumentista non l’abbia imparata. Collaudata con successo la compagine orchestrale, ci si cimenterà in un «gran morceau» di sicuro effetto.
Sabato 18 dicembre ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti “In un mondo smarrito, minaccioso, delle cui ombre sentiamo l’incombere, è stato emblematico rielaborare il percorso dal buio verso la chiarezza compiuto da Edipo: un percorso nella coscienza che allo stesso tempo è individuale, di intima analisi, collettivo… Ed è stato importante poterlo condividere assieme ad un artista consapevole come Franco Branciaroli. In questo Edipo Re, abbiamo voluto tratteggiare il protagonista evocando echi di teoremi freudiani, un viaggio fra le ombre e l’ignoto della psiche: perciò nella nostra visione, in Edipo si condensano, quasi come in momenti di trance, più personaggi della tragedia – Edipo, Tiresia, Giocasta – a dimostrare che nella sua carne si convogliano tutte le radici della colpa. Le radici dell’incesto, del parricidio: canoni del senso di colpa che segnano la civiltà occidentale, su cui si è lavorato soprattutto nel Novecento, da Freud a Lacan, attraverso Guattari, Deleuze, per arrivare a René Girard un filosofo contemporaneo che ha donato forti induzioni alla nostra interpretazione.” (Antonio Calenda) “Edipo è l’eroe tragico che non sa chi è: tutto gli casca addosso perché tutto è già avvenuto. Questa conoscenza di sé avviene attraverso il dolore. Infatti appena lui conosce diventa cieco: la cecità, come il dolore, nella cultura greca è strettamente legata alla conoscenza”. L’intero spettacolo fonda infatti la propria essenza sul concetto del “vedere”: un leitmotiv concettuale che diventa momento di un paradosso nella conclusione della tragedia (l’accecamento di Edipo) ma che ritorna costantemente durante l’intera messinscena anche sul piano delle immagini.” (Franco Branciaroli)
Antonio Vivaldi “Le Humane Passioni” Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Il violinista trevigiano Giuliano Carmignola, riconosciuto come uno dei massimi interpreti del violino moderno e barocco, e l’ensemble dei Sonatori de la Marca Trevigiana, che da più di 25 anni si dedica all’esecuzione di musiche antiche su strumenti d’epoca, sono gli interpreti di questo concerto monografico interamente dedicato ad Antonio Vivaldi. In programma quattro concerti per violino che il «Prete Rosso» ha dedicato alla rappresentazione di affetti: L’inquietudine, Il sospetto, L’amoroso e Il piacere. Il quartetto di titoli è chiuso nello scrigno di altri due capolavori vivaldiani: il Concerto per violino Il favorito e il Concerto in sol minore, Originale, per archi e continuo. In questi sei stupendi concerti, incisi dai Sonatori e Carmignola nel 1996 per la Divox Antiqua (Diapason d’or de l‘année), nei quali le difficoltà sono disseminate quasi ad ogni battuta, il violino emerge grazie alla natura estremamente virtuosistica della scrittura vivaldiana, che tende a mettere parzialmente in ombra gli altri strumenti. Oltre ai concerti il programma prevede anche l’esecuzione della Follia op. I n° 12, celebre tema con variazioni per 2 violini e basso continuo.
* Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Nato a Milano nel 1992, Antonio Di Dedda si è diplomato a 16 anni con il massimo dei voti, la lode e la menzione d’onore presso il Conservatorio di Foggia. Ha studiato con Jarmila Klatovskà, Rossella Di Chio, Gennaro Pesce, Petras Geniušas, Andrea Lucchesini, Elissò Virsaladze. Ha vinto il primo premio assoluto in numerosi concorsi. Ha studiato organo e composizione organistica con Luca Scandali. A 14 anni è stato nominato organista titolare della Basilica Cattedrale di Troia. Il programma si apre con la Partita n. 2 in do minore di Bach che, pubblicata nel 1727, fa parte delle sei partite per clavicembalo che formano la prima sezione della Clavier-Übung, summa in quattro volumi della tecnica per strumento a tastiera. Di Claude Debussy si ascolteranno alcuni preludi tratti dal Secondo Libro dei Préludes che vide la luce nell’aprile 1913 dopo una lunga elaborazione. Rispetto alla prima raccolta, la seconda è più complessa e meno immediata e risente di suggestioni esotiche. Quasi tutti i brani sono scritti su tre righi, anziché su due, per enfatizzare la ripartizione delle voci nei differenti registri. Concludono il concerto i 12 Studi sinfonici op. 13 e le Variazioni postume di Schumann. Gli Studi, che presentano la forma del tema con variazioni, necessitarono di un lungo periodo di gestazione durante il quale Schumann rimaneggiò più volte il proprio spartito, tanto che dello stesso furono pubblicate più versioni: la prima del 1835 intitolata Fantasia e Finale, la seguente del 1837 denominata Etudes Symphoniques Op. 13, che ascolteremo, in cui eliminò cinque variazioni (pubblicate solo nel 1883 come Variazioni postume); infine, la terza versione del 1852 che riporta alcuni tagli nel finale e l’eliminazione di due variazioni: in questa veste l’opera venne ad intitolarsi Etudes en forme de variations.
Alla sua terza regia teatrale dopo La forza dell’abitudine di Thomas Bernardt e La parola ai giurati di Reginald Rose, Alessandro Gassman mette in scena con Roman e il suo cucciolo un altro testo contemporaneo che negli anni ‘80 ottenne un grande successo a New York con Robert De Niro come protagonista. Spiega Gassman: “Cuba & His Teddy Bear – questo il titolo originale – è un testo che mi ha coinvolto fin dalla prima lettura per l’umanità dei suoi personaggi, per uno stile di scrittura tagliente, crudo, profondo, che mai indulge al sentimentalismo. Con Edoardo Erba, traduttore e adattatore del testo, abbiamo deciso di ambientare la vicenda in una periferia urbana del nostro paese, all’interno di una comunità rumena”. Operazione che non tradisce il testo originale americano che fa appunto coesistere personaggi di diverse razze, culture, religioni. È un dramma familiare e al tempo stesso sociale, un attualissimo sguardo su uno dei fenomeni che negli ultimi tempi più ci coinvolgono: la presenza degli immigrati nella nostra vita, presenza che ha cambiato la fisionomia delle nostre città e il tessuto delle nostre relazioni. La prorompente forza drammatica dell’opera si basa sul rapporto irrisolto fra un padre semianalfabeta, spacciatore di droga, nevrotico, che alterna momenti di dolcezza a esplosioni di rabbia, e un adolescente apparentemente schiacciato dall’autorità paterna, che vuole emanciparsi attraverso lo studio, ma che nasconde al padre le sue illusorie prospettive di vita e la sua progressiva dipendenza dall’eroina. Un rapporto toccante, crudo, a tratti sconvolgente, che troverà compimento solo attraverso un fatale, catartico epilogo.
Itaca è il cd di esordio di Peo Alfonsi per EGEA. Esordio in veste di leader, ma non certo in senso assoluto. Infatti Alfonsi ha già partecipato, in veste di chitarrista, all’incisione di Canto di Ebano, l’ultimo cd di Gabriele Mirabassi. Itaca è un lavoro che esplora molte delle tematiche musicali proprie della poetica EGEA: cura del suono, attenzione all’aspetto cameristico, precisione nella scrittura, elaborazione dei temi, improvvisazioni funzionali all’equilibrio generale dei brani. Ovviamente, richiami tangibili, come si può evincere dal titolo, ad atmosfere del sud Europa, ma non solo. Del resto Peo Alfonsi è nato è si è formato in Sardegna. Il suo percorso artistico si è arricchito, nel corso del tempo, di esperienze e di altre suggestioni, ma come egli stesso scrive nelle note di presentazione: “Credo che il musicista viva un rapporto particolare con il sentimento della nostalgia, come se qualcosa d’irrisolto, un filo mai del tutto spezzato con i miti dell’infanzia lo perseguitasse e gli desse spinta e motivazione nel fare musica.” I musicisti che collaborano con Alfonsi nella realizzazione di Itaca sono in piena sintonia con la sua proposta musicale, con l’humus più profondo della sua musica. I soli di Gabriele Mirabassi e di Kyle Gregory scaturiscono e rispettano sempre le trame su cui si articola la sua musica. Il contrabbasso di Salvatore Maiore è un punto fermo ritmico ed armonico di ciascun brano. Infine la chitarra di Peo Alfonsi è lo strumento che, sempre in modo discreto ed elegante, svolge un ruolo chiave nell’equilibrio generale dell’intero lavoro.
Adina Roberta Canzian Cori e comparse di villani e villanelle, soldati e suonatori del reggimento, un notaio, due servitori, un moro * Vincitori del XL Concorso Internazionale per Cantanti “Toti Dal Monte” Martedì 18
gennaio, ore 17.00, Ridotto del Teatro Comunale: incontro con
gli artisti Teatro Comunale
Prosa – L’ebreo
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: incontro con gli artisti Flamenco se escribe con Jota è la cronaca di un incontro annunciato, un dialogo naturale tra due espressioni artistiche fortemente vincolate sia per le profonde radici popolari che per l’espressione vitale di un popolo che ha la storia scritta a tempo della “sua” musica: un’identità che si manifesta nelle parole dei canti sia di flamenco che di jota. Flamenco e jota condividono in egual misura il mistero delle loro origini e lo stesso “miracolo”, quello di nascere quasi contemporaneamente agli albori del secolo XIX, in uno stato di perfezione. Due genealogie distinte che in nessun punto della loro storia hanno coinciso. Troppe coincidenze perché flamenco e jota non tornino ad incontrarsi. La bailaora flamenca Úrsula López, il bailaor Rafael Campallo e il bailaor Miguel Ángel Berna imbastiscono un incontro partendo dall’originalità delle peculiarità artistiche di ciascuno. Balli a contrasto nei quali Úrsula López e Rafael Campallo, con il loro flamenco, riaffermano incessantemente la stretta relazione con il suolo, con la terra, mentre l’aereo Miguel Ángel Berna trascende la jota folclorica e tenta (riuscendoci) di ballare quasi “in sospensione”. Un incontro in cui la singolarità di ogni artista si rincorre e s’intreccia allontanandosi e tornando poi a incontrarsi in quello che potrebbe essere il nucleo primordiale nel quale i tre interpreti riescono ad arrivare a un punto d’armonia assoluta.
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto L’originale talento e lo spiccato virtuosismo hanno portato Marc-André Hamelin ad essere riconosciuto come uno dei più grandi pianisti dei nostri giorni. Nel 2003 è stato eletto Ufficiale dell’Ordine del Canada e, nel 2004, Cavaliere dell’Ordine del Québec; è anche membro della Società Reale Canadese. Il programma si apre con le Variazioni in fa minore di Haydn, una composizione insolitamente drammatica, scritta probabilmente dopo la morte prematura di Maria Anna von Genzinger, moglie del medico personale del principe Nikolaus I Esterházy, con la quale il compositore aveva intrecciato una relazione sentimentale. Di Mozart Hamelin eseguirà la Sonata in la minore K 310, composta a Parigi nel 1778, poco dopo la morte della madre del compositore; la tonalità minore infonde alla composizione un carattere di diffusa mestiza. Di Franz Liszt si ascolterà il supplemento al secondo anno degli Années de pèlerinage, intitolato Venezia e Napoli e composto nel 1859. Si tratta di tre brani, Gondoliera, dal celeberrimo motivo de La biondina in gondoleta, Canzone, da Nessun maggior dolore dall’Otello di Rossini, e Tarantella basata su una melodia del compositore franco-italiano Louis/Luigi Cottrau (1797 – 1847), Il concerto proseguirà con il Notturno n. 6 op. 63 di Fauré, una composizione del 1894 che appartiene al secondo periodo creativo del compositore in cui le opere sembrano ispirate meno esclusivamente al piacere sensuale di far parlare lo strumento e la bellezza musicale pura incomincia ad imporre le proprie leggi alla tastiera. Del compositore francese Charles Valentin Alkan (1813-1888), noto per aver scritto alcune opere tra le più difficili dell’intera letteratura pianistica, sarà eseguita la Sinfonia per piano solo (numeri quattro, cinque, sei e sette) tratta dagli Studi in tutte le tonalità minori op. 39.
Sabato 5 febbraio ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti Ciò che caratterizza questo capolavoro goldoniano è l’estrema concretezza con cui sono fuse l’evocazione dello sfondo ambientale, il dipanarsi dell’intreccio imperniato su pettegolezzi, manie, stravaganze, imbrogli e finzioni, e il disegno geniale d’un carattere, quello di don Marzio. Don Marzio è il prototipo di quei frequentatori di caffè che sanno di questo e di quello, che raccolgono notizie dalla voce degli altri e dalle gazzette per farsene portavoce, senza la cura di controllarle e di verificarne la fondatezza, mescolando verità e invenzione. La scena è uno spazio quotidiano che ruota attorno ad un centro fortemente simbolico, rappresentato dalla bottega del caffè, un luogo dove si mescolano il consueto e l’imprevedibile: il punto ideale per osservare e giudicare il “Mondo”. La geniale costruzione drammaturgica della commedia lascia allo spettatore la sensazione di osservare i casi dell’esistenza attraverso l’occhialetto diabolico di un maldicente che non tace mai e pretende sempre d’aver ragione. Il sistema di giudizio di Don Marzio, nel quale si intersecano personaggi e avvenimenti differenti, finisce per imporsi come una coscienza scomoda dell’esistenza. Le sue ultime battute celano a malapena l’amarezza e la malinconia per un’utopia che gli eventi vanificano. “Anderò via di questa città; partirò a mio dispetto, e per causa della mia trista lingua, mi priverò del paese, in cui tutti vivono bene, tutti godono la libertà, la pace, il divertimento, quando sanno essere prudenti, cauti ed onorati”. (Giuseppe Emiliani)
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Luigi Boccherini scrisse 21 sinfonie per grande orchestra; quella in programma, detta “La divina”, è la terza di un gruppo di quattro sinfonie composte nel 1787, durante il suo secondo soggiorno a Madrid che, iniziato nel 1786 si concluse con la morte del compositore nel 1805. Le Sinfonie dell’op. 37, in cui non poche sono le assonanza tematiche con contemporanee sinfonie di Haydn, presentano la quadripartizione impiegata anche nelle prime sinfonie dell’op. 12, mantenendo una semplicità d’impianto formale. Il pianista ceco Pavel Kaspar eseguirà il Concerto in do magg. K 415 per pianoforte e orchestra di Mozart, scritto, come i precedenti K 413 e K 414, tra il 1782 e il 1783. Palese è in quest’opera il desiderio del compositore di aderire alla moda dei “concerti militari” che rimarrà in voga sino ai primi decenni dell’Ottocento. La struttura del brano, pur trattandosi di concerto per strumento solista, vede uno sbilanciamento della scrittura a favore dell’orchesta che elabora temi ed idee, mentre il pianoforte prende spunto dal disegno sinfonico sviluppandolo senza apportare novità. La South Bohemia Chamber Orchestra ritornerà unica protagonista nella seconda parte del programma in cui si ascolterà la Sinfonia n. 1 di Beethoven, composta tra il 1799 e il 1800, anno della sua prima esecuzione a Vienna. Opera dall’identità incerta, la Prima Sinfonia si divide tra i riferimenti al passato e l’incombenza di un futuro che si lasciava intuire solo a tratti. Nel tempo che trascorse tra gli abbozzi di una prima composizione sinfonica e il completamento della Sinfonia, la principale preoccupazione di Beethoven fu quella di elaborare, più che una tecnica di scrittura, una strategia compositiva che permettesse di contenere tutta la ricchezza delle sue idee all’interno dell’architettura classica. Procedette infatti con uno sdoppiamento di piani in cui alla base vi è il rigore formale del linguaggio classico, mentre in superficie l’accumulo incessante dei materiali apre l’organismo chiuso della sinfonia a ogni sorta di invenzione e di improvvisazione.
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Antonio Vivaldi compose otto serenate tra le quali La Senna festeggiante, scritta probabilmente in onore di un personaggio illustre. Composizione a mezza strada tra l’opera e la cantata, la serenata si costruiva su argomenti di carattere mitologico-pastorale o storico, quasi sempre allegorico ed era destinata alla rappresentazione privata presso le corti, con pochi personaggi e con fini celebrativi. Non è chiaro per quale occasione Vivaldi scrisse quest’opera, la più lunga e imponente delle sue serenate. Tre personaggi allegorici l’Età dell’Oro, la Virtù, la Senna, festeggiano con le loro arie virtuosistiche la venuta del re de Francia Luigi XV; se Vivaldi moltiplica i riferimenti alla musica francesce, soprattutto nelle due superbe ouverture alla francese, se possiamo situare la data della composizione tra il 1722 e il 1725, le fonti non ci permettono di collegare quest’opera sontuosa a una circostanza o a un committente particolare. Probabilmente si trattò di una commissione di provenienza romana da parte del Cardinal Ottoboni oppure di una composizioine richiesta dall’ambasciatore francese a Venezia per celebrare la riconciliazione franco-veneziana che segnò l’inizio del regno di Luigi XV.
Nato a Philadelphia, Uri Caine è una delle personalità musicali più eclettiche del nostro tempo. A dodici anni inizia a studiare pianoforte. Quando si iscrive all’università è già protagonista della scena jazzistica della sua città; studia composizione, segue corsi di letteratura e suona con i grandi maestri che visitano la città. Trasferitosi a New York, inizia la sua carriera come solista. La sua discografia, ampia e ricca di opere riconosciute come pietre miliari, viene indicata come snodo fondamentale della storia musicale contemporanea, in grado di confrontare musicalità diverse, dalla tradizione classica europea al jazz, all’elettronica, al klezmer, al rock, qualificando Caine come uno degli “architetti” più intelligenti e sensibili della musica d’oggi. Tra i progetti più recenti di Uri Caine ricordiamo, una commissione del Festival di Granada, sugli orrori della guerra, un’opera musicale ispirata alle opere di Goya; un duo con John Zorn al Vicenza Jazz Festival, una tournee delle Variazioni Diabelli con l’Orchestra Regionale Toscana, e la prima esecuzione del programma “Wagner e Venezia” (titolo dell’album di Winter & Winter, registrato dal vivo a Venezia nel 1997) presso il Festival tedesco di Potsdam, programma che è stato replicato al Festival di Ravello, una commissione per Suoni delle Dolomiti per orchestra d’archi e pianoforte, una nuova composizione con il Quartetto Arditti, e la registrazione di un nuovo disco con Bedrock Trio e la cantante Barbara Walker, per la Winter&Winter, dal titolo Plastic Temptation.
Sabato 26 febbraio ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti Jean-Jacques, giovane avvocato in carriera, noto Don Giovanni della Parigi bene, conduce una vita da scapolo esemplare, perfettamente organizzata tra ufficio, serate mondane e nottate con donne sempre diverse. Ha però un difetto: non ha memoria, ed è perciò costretto a catalogare in un album tutte le sue conquiste. Un giorno piomba a casa sua Suzanne, una giovane donna alla ricerca di un certo Philippe Ferrand. La donna è stanca e, senza troppi preamboli, decide di istallarsi a casa di Jean-Jacques sconvolgendo così l’ordine maniacale del suo monolocale e della sua vita. Si tratta di un tragicomico incontro-scontro di universi paralleli e apparentemente estranei. L’incomunicabilità, e dunque la solitudine, sono le due dimensioni in cui vivono i personaggi. (Jean Claude Carriere) Teatro Comunale
Danza – Compagnie Käfig Correria La frizzante e sorprendente compagnia franco-magrebina presenta una nuova creazione nata dall’incontro tra Mourad Merzouki, suo direttore artistico, con i ballerini della Companhia Urbana de Dança di Rio. Il vissuto nelle favelas degli 11 ballerini brasiliani in scena rivela una singolare affinità con le storie di emarginazione dei ragazzi della Compagnie Käfig e con la loro voglia di esprimersi con energia e gusto del gioco. Due sono i brani della serata: Correria, una corsa trepidante, frenetica, ispirata al ritmo ossessivo che scandisce la vita nel mondo occidentale, in continua lotta contro il tempo e Agwa, in cui i ballerini cariocas “diluiscono” e mescolano armoniosamente hip-hop, capoeira, samba, musica elettronica e bossanova, per far emergere una danza dalle acrobazie sbalorditive, piena di energia e di inventiva. Nato a Lione nel 1973, d’origine kabyle, Mourad Merzouki inizia a 7 anni lo studio delle arti marziali e circensi. A 15 anni scopre la cultura hip-hop che lo avvicina al mondo della danza. Continua a sviluppare la sua gestualità hip-hop ed allo stesso tempo si confronta con altri linguaggi coreografici. Il suo percorso lo spinge a realizzare progetti artistici che lo portano a sdoganare l’hip-hop da semplice disciplina “della strada” ad una dimensione teatrale. Nel 1989 assieme ad amici di strada crea la compagnia Accrorap che, nel 1994, presenta con successo Athina, alla Biennale de la Danse de Lyon. Nel 1996 Merzouki fonda la sua compagnia, chiamandola Käfig che significa gabbia, in tedesco e in arabo. A partire dalla stagione 2010, è direttore del CCN Centre Chorégraphique National de Créteil et du Val-de-Marne.
La selezione nasce da un’idea di Porsche Italia e la collaborazione della Scuola di Musica “G. Gershwin” e l’Assessorato alla Cultura del Comune di Padova con l’obiettivo di individuare gruppi di musicisti jazz, di qualsivoglia strumento musicale e di qualsiasi età e nazionalità, che siano allievi di Conservatori con cattedra di jazz o di Scuole di Musica Jazz e che non abbiano già pubblicato un CD a proprio nome, allo scopo di valorizzare i talenti emergenti del panorama jazzistico nazionale. Il progetto si sviluppa in un’ottica triennale, concentrando l’attenzione su alcune macro-aree di riferimento per ogni edizione: nel 2010 il Nordest, nel 2011 il Nordovest, nel 2012 il Centro-Sud d’Italia.
Sabato 12 marzo ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti La commedia solleva la questione dell’arte e dell’amicizia, ruotando attorno a tre amici di vecchia data: Serge, Marc e Yvan. Serge, assecondando la sua passione per l’arte moderna, ha acquistato un dipinto molto costoso intorno al quale ruoterà il dibattito dei tre amici sul significato dell’arte astratta in paragone ad arti più rappresentative e tradizionali. Sotto la superficie, la commedia esplora con estrema ironia la profondità e la complessità dell’amicizia. Nata a Parigi nel 1959, Yasmina Reza è la più prolifica drammaturga francese. Figlia di una violinista ungherese e di un uomo d’affari di origine ebrea-russa, è cresciuta in un ambiente artistico e cosmopolita. Sin dalla fine degli anni ’80, Yasmina Reza si è aggiudicata con le sue pièces numerosi premi tra cui il premio Molière, l’Evening Standard Award, il Lawrence Oliver Award, il Drama Circle Critics Award, il Theater Heute. Ma il “vero” successo, quello dei titoli a piena pagina sui giornali, è arrivato con la pubblicazione di L’alba la sera o la notte, un libro – o meglio, come lei stessa suggerisce – “uno schizzo” su Nicolas Sarkozy, immediatamente tradotto in tutto il mondo.
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Andrea Lucchesini apre il concerto con la Sonata per pianoforte n. 23 in fa maggiore, conosciuta con l’appellativo di “Appassionata” e considerata come uno dei capolavori pianistici di Beethoven, insieme alla Waldstein op. 53 e a Les Adieux op. 81a. Composta tra il 1803 e il 1806 e dedicata al conte Franz von Brunswick, questa Sonata era ritenuta dallo stesso Beethoven tra le sue più riuscite, insieme alla successiva op. 78. Il Quartetto di Cremona si cimenterà nel primo dei tre quartetti dedicati al conte Andrey Razumovsky, ambasciatore di Russia a Vienna, scritto nel corso dell’estate del 1806 ed eseguito per la prima a volta solo tre anni dopo a Vienna dal Quartetto Schuppanzigh. Accolto con molte perplessità dal pubblico, questo Quartetto fu invece molto amato da Schumann che, a proposito dello Scherzo, notò come i motivi raccolti dalla strada divenissero nelle mani di Beethoven le parole più belle del mondo. La versione per musica da camera del Concerto n. 4 op. 58 per pianoforte, recentemente scoperta dallo studioso tedesco Hans Werner Küthen, all’inizio era destinata solo all’uso privato del principe Lobkowitz, che aveva ascoltato la versione originale del concerto per grande orchestra e desiderava riproporlo in versione cameristica nel suo palazzo viennese nel marzo 1807. L’arrangiamento è di Beethoven che però certamente affidò il compito di ridurre la parte orchestrale a un amico fidato, il violinista di corte Franz Alexander Pössinger, ma rimaneggiò personalmente la parte del pianoforte, soprattutto nei due movimenti estremi, modificando la partitura originale in più di ottanta punti per adattarla alle nuove proporzioni sonore aumentando considerevolmente le difficoltà tecniche della parte solistica
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: incontro con gli artisti
Sabato 19 marzo ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti Rappresentato per la prima volta nel 1926, Se no i xe mati, no li volemo è senza dubbio il capolavoro teatrale di Gino Rocca. La vicenda si svolge in una sonnolenta cittadina fra Venezia e Padova, in un palazzo fatiscente che un bizzarro nobiluomo, morendo in giovane età, ha lasciato con tutto il resto del suo patrimonio a una congregazione di carità, ma destinandone l’usufrutto, finché saranno in vita, ai nove amici che hanno condiviso la sua esistenza scioperata e innocentemente trasgressiva e assieme ai quali ha addirittura fondato un’associazione che porta il glorioso nome di “Se no i xe mati, no li volemo”. Dei nove, all’inizio del racconto soltanto 4 sono in vita (uno emigrato in America) e dei tre rimasti nessuno, ovviamente, ha più né la forza né la voglia di coltivare quell’antica fama. Sono Piero Scavezza che ha oramai perso il vigore di un tempo e guarda al momento in cui la morte lo ricongiungerà con il figlio caduto in guerra; Bortolo Cioci, diventato un brontolone ruvido e nevrotico e Momi Tamberlan, architetto stravagante e incompreso sposato in seconde nozze con la giovane Irma, che con le sue pretese e un tenore di vita sopra le possibilità di Momi, sta mandando in rovina la famiglia. Un brutto giorno l’avvocato Giostra, altero e baldanzoso, porta loro la ferale notizia che l’immobile, da loro occupato, proprietà della Congregazione, non spetta più loro di diritto perché da tempo i soci non rispettano le clausole dello statuto che prescrive, per ogni membro, una perenne vita spregiudicata e goliardica di cui essi devono quotidianamente dar prova. Malgrado la avanzata età e i crucci delle rispettive situazioni personali, i tre decidono di tornare a fare ‘i matti’ come ai tempi delle lontane imprese studentesche, nel tentativo di recuperare i loro diritti inseguendo una impossibile giovinezza. Il guaio è che i loro fisici non resistono alla prova e la farsa si trasforma in dramma, quasi in tragedia. Teatro Comunale
Concerti – Wiener Kammerensamble Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Il Wiener Kammerensemble è stato fondato nel 1970 dalle prime parti dell’Orchestra Filarmonica di Vienna ed è oggi riconosciuto come uno dei principali al mondo nel suo genere. Si presenta in formazioni strumentali che variano dal trio al piccolo gruppo cameristico, con un repertorio che spazia dalla musica classica a quella moderna. Quattordici registrazioni, numerose presenze all’interno di programmi radiofonici e televisivi, così come le molte tournée, hanno favorito la diffusione della migliore tradizione di musica da camera viennese in Europa e oltreoceano. Il programma si apre con un omaggio a Mozart di cui si ascolterà il Divertimento in re maggiore K 205, scritto nell’estate del 1771 a Salisburgo in vista di una esecuzione en plein air da tenersi a Vienna nel giardino di Anton e Anna Mesmer. Buscaroli scrive: “Il Divertimento K 205 è il capostipite di questa serie di capolavori controvoglia, che non si limitano più a organizzare il linguaggio contemporaneo, ma si giovano di un rapido ispessimento e allargamento di mezzi e di forme espressive…”. Del compositore e clarinettista cremonese Luigi Bassi (1833-71), già primo clarinetto al Teatro alla Scala, l’Ensemble eseguirà la Fantasia da concerto, sopra motivi dal Rigoletto di Verdi, pezzo brillante per il quale Bassi è oggi ricordato. Seguirà Till Eulenspiegel – einmal anders! trascrizione per soli 5 strumenti del celebre poema sinfonico di Richard Strauss, a cura di Franz Hasenöhrl. Dal Cavaliere della rosa dello stesso Strauss il Wienerkammerensemble eseguirà invece i Valzer arrangiati da Erich Kaufmann. Concludono il concerto tre festose composizioni di Johann Strauss jr., i valzer Wo die Zitronen blühen (Dove fioriscono i limoni) e Wiener Blut (Sangue viennese) e la divertente polca Tritsch-Tratsch (Chiaccericcio).
Sabato 2 aprile ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti Jirí Srnec è stato l’ideatore del Teatro Nero di Praga e ha fondato la compagnia omonima alla fine degli anni ‘60, facendola diventare un punto di riferimento per lo sviluppo di questa tecnica teatrale nel resto del mondo. Grazie alla sua peculiare modalità di fare spettacolo, il Teatro Nero di Praga ha entusiasmato e stupito il pubblico di tutto il mondo, ha partecipato ad oltre sessanta festival teatrali ed è abitualmente in tournée attraverso tutti i continenti. Dreams ossia Il Meglio del Teatro Nero di Praga è una retrospettiva di scene tratte dal repertorio del Teatro Nero di Jiøí Srnec, dal 1961 ad oggi; è stato ideato al fine di permettere allo spettatore di comprendere appieno le tecniche e le fonti d’ispirazione della compagnia. Gli estratti che compongono Dreams provengono dalle performance di maggiore successo della compagnia che hanno riscosso il favore del pubblico in tutto il mondo in oltre quarant’anni di carriera, come La bicicletta volante, Metafore e La settimana dei sogni. Sul palcoscenico viene presentata una combinazione unica di oggetti che prendono vita, che accompagna l’esibizione di attori e mimi. È uno spettacolo pieno di magia, divertente e adatto a tutte le età, acclamato dalla critica e dal pubblico già dal suo debutto al Royal Theatre di Edimburgo.
Due “olandesi” a confronto, il giovanissimo talento coreografico Ivo van Zwieten e il Maestro Hans Van Manen, recentemente omaggiato con una settimana di celebrazioni dall’HET National Ballet, in occasione del suo 75° compleanno, e i cui lavori figurano nel repertorio delle più importanti compagnie del mondo. Entrambi amano lavorare senza seguire un filone narrativo ma utilizzando la musica quale punto focale della coreografia. Rachmaninov Tango è un interessante contributo alla creatività della danza moderna europea che dà vita ad una peculiare simbiosi. Nonostante il notevole gap generazionale, l’intrecciarsi delle riflessioni sul XX e XXI secolo ha in comune un’analoga ricerca d’ispirazione all’interno delle infinite dimensioni della musica di Rachmaninov e Piazzolla. Rhapsody, prima coreografia in programma, è stata creata da Ivo van Zwieten sulla musica di Rachmaninov. Lo scopo del brano è quello di forgiare forme precise, accompagnate da allegri intensi e adagi passionali. Cinque coppie, uomini e donne esprimono i loro sentimenti senza narrare una storia precisa. Di Hans van Manen sarà rappresentato il suo capolavoro maggiormente eseguito in tutto il mondo, concepito nel 1977 e considerato uno dei brani del suo “repertorio storico”. Si tratta di 5 tangos, sulla musica di Astor Piazzolla. Per questo brano Van Manen sostituisce le classiche scarpe con tacco del tango con le punte della danza classica sperimentando così una danza di passione e di tentazione: non una versione stereotipata, bensì guidata dall’espressione glaciale dei danzatori. Teatro Comunale
Prosa – Le Bugie Con Le Gambe Lunghe Sabato 16 aprile ore 17.00, Fondazione Benetton Studi Ricerche: incontro con gli artisti Le bugie con le gambe lunghe, scritta nel dicembre 1946, subito dopo il debutto napoletano di Filumena Marturano, è una commedia sul tema della verità e della menzogna, in cui la vena amara che scorre in sottofondo alla comicità, a tratti quasi farsesca del primo atto, si accentua con il procedere dell’azione, tanto da far scrivere a Gerardo Guerrieri: “Eduardo scansa gli effetti e le situazioni già fatte, accenna, colpisce di striscio con una padronanza del mezzo tecnico impressionante…, conferendo al testo un suo carattere insieme “antico” e sperimentale. ” La storia vive dei reciproci intrighi che alcune coppie intrecciano intorno a Libero Incoronato, un uomo modesto, onesto, insieme dignitoso e fiero, la cui vita tranquilla viene sconvolta dai vicini che tentano in ogni modo di coinvolgerlo, suo malgrado, nelle loro squallide storie. Prima ingenuamente ostinato nello smascherare le clamorose menzogne spacciate per verità, di cui è testimone, Libero decide alla fine di adeguarsi in modo provocatorio alla regola generale, rilanciandola e amplificandola fino al paradosso. Ed ecco il titolo della commedia, che rovescia il proverbio popolare: le bugie con le gambe corte sono quelle dei bambini, quelle puerili, mentre quelle con le gambe lunghe sono quelle “che tutti noi dobbiamo aiutare a camminare per non far cadere l’impalcatura della società” (Eduardo nell’intervista a Sergio Romano).
Ore 20.00, Ridotto del Teatro Comunale: introduzione all’ascolto Universalmente nota come Eine kleine Nachtmusik, questa composizione, portata a termine nel 1787, è il notturno per orchestra per antonomasia. Concepita per piccola orchestra di soli archi, è di struttura relativamente semplice ma piena di idee portate avanti con grande leggerezza e continuità. Il Concerto per violoncello e orchestra n. 1 in do maggiore di Haydn fu composto tra il 1761 e il 1765 ed è, fra le opere giovanili del compositore, quella più impegnativa; la sua struttura rispecchia ancora la concezione tardo barocca del solista che dialoga con archi e fiati. Si compone di tre movimenti: Moderato, dal carattere pomposo ed aristocratico, Adagio di grande contabilità, caratterizzato da una bellissima melodia, Finale brillante e ricco di virtuosismi. Nella aseconda parte della serata sarà eseguita la Sinfonia in fa min. n. 49 “La Passione” dello stesso Haydn. Scritta nel 1768, nella fase cosiddetta “sturmeriana” del compositore, “La Passione” indaga l’orizzonte religioso e affronta il problema della morte meditando sul sacrificio di Cristo. L’Andante di apertura oscilla tra l’ombra e la luce in un confronto serrato fra lutto e consolazione; ad esso risponde un Allegro tempestoso cui segue un esitante Minuetto melanconico e quasi privo di forze; drammatico risulta il Finale che incalza senza tregua opponendo armonie maggiori e minori. Enrico Dindo si diploma al Conservatorio “G. Verdi” di Torino, perfezionandosi in seguito con Egidio Roveda e con Antonio Janigro. A soli 22 anni, nel 1987, è primo violoncello solista nell’Orchestra del Teatro alla Scala. Nel 1997 conquista il Primo Premio al Concorso “Rostropovich” di Parigi. Da quel momento inizia un’intensa attività da solista. Nel 2000 riceve il Premio “Abbiati” come miglior solista e nel 2005 il Premio “Vittorio De Sica” per la musica. Suona un violoncello Pietro Giacomo Rogeri (ex Piatti) del 1717. Dopo il debutto nel 1981, la EUCO si è guadagnata la reputazione mondiale di ambasciatrice della musica per l’Unione Europea. Grazie all’aiuto della Commissione Europea, le sue tournée toccano tutti gli angoli della mondo. Tra le collaborazioni l’orchestra annovera quelle con Yehudi Menuhin, Lazar Berman, Mischa Maisky, Severino Gazzelloni.
Teatro Comunale
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